El sueño (también conocido con su nombre en francés, Le rêve)1 es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1932. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista.
El cuadro, cuyas medidas son 130 x 97 cm, representa a una mujer que yace dormida, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos y los senos al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter.
En el año 2006 fue dañada por su dueño, el magnate de Las Vegas, Steve Wynn. En el año 2013 "el sueño" fue adquirido por Steven Cohen, tras pagar 155 millones de dólares, y se convirtió así en el segundo cuadro más caro de la historia, según una nota publicada en The New York Post , y en el más cotizado de su obra pictórica.,,,,El sueño (también conocido con su nombre en francés, Le rêve) en es un cuadro del pintor español Pablo Picasso de 1932. En esta obra Picasso muestra a su amante Marie-Therese Walter sentada en un diván y con los ojos entrecerrados, los brazos doblados, la cabeza ladeada y los senos al descubierto. A la hora de pintar el cuadro, Picasso optó por simplificar, reduciendo las formas a volúmenes esféricos.
"El sueño" había sido la estrella de la subasta de la colección Ganz, en 1997, al venderse por 48.4 millones de dólares en medio de una exitosa venta en la que otras obras de Picasso, como una versión de "Las mujeres de Argel ", fueron vendidas por precios excepcionales.
Esta pintura fue seriamente dañada por su dueño, el magnate de los casinos de Las Vegas Steve Wynn, cuando, al enseñarla a unos amigos, hundió accidentalmente su codo en el lienzo, provocando un considerable agujero en el mismo.
Según parece, Wynn había llegado a un acuerdo con el también multimillonario Steven Cohen para vender la sensual obra por 139 millones de dólares, lo que la convertiría en la pintura más cara jamás vendida, superando al "Adele Bloch bauer" de Gustav Klimt, vendida por 135 millones, pero tras el accidente, decidió no hacerlo por considerarlo "una profecía", aunque es de suponer que Steven Cohen también se habría replanteado la compra. El accidente redujo el valor del cuadro a 85 millones de dólares.
Comentario
Andre Salmon, ya en 1912, suscitó la idea de que la pintura de vanguardia nació en Francia en 1907 con la creación del revolucionario cuadro de Picasso Las señoritas de Aviñón, considerado además como la obra germinal del lenguaje cubista. Esta rotunda tesis, avalada por otros comentaristas, no ha sido puesta en duda por la historiografía hasta el presente. De hecho, son los experimentos que llevaron a cabo Pablo Picasso y Georges Braque a partir de ese momento los que configuraron el horizonte estético del cubismo, decididamente afianzado después de 1910 como corriente de vanguardia, que se hizo internacional en apenas dos años. En origen, la composición de las Señoritas está relacionada con las últimas Bañistas de Cézanne y con obras de él derivadas, como las de Matisse Alegría de vivir y Lujo, calma y voluptuosidad, a la que trata de oponerse conceptualmente; pero sobre todo está influida directamente por la estética antiacadémica de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y negroafricana. Durante 6 meses el pintor estuvo haciendo dibujos previos, cada vez más simplificados, eliminando lo anecdótico para quedarse únicamente con el espacio y las figuras; después lo transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado. Pero de todas formas, con él revolucionó el modo de concebir la pintura, aunque de momento no fuera entendido. Al parecer la obra fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria de las obras en boga relacionadas con la Arcadia. Se trataba de cinco mujeres y dos hombres en la habitación de un prostíbulo, en torno a una mesa con frutas, flores, cortinas, etc. En principio la figura central sentada era un marinero, y la que entraba por la izquierda, un estudiante que llevaba una calavera. Placeres de la carne y de los sentidos enfrentados a la muerte, que configuraban una vanitas a la manera barroca, para reforzar la ironía antiacadémica. En las simplificaciones desaparecieron los hombres y las flores, quedando las mujeres en un espacio poco profundo, como en un bajorrelieve. Del lienzo original pintado en la primavera de 1907 sólo quedan los desnudos centrales que miran al espectador. Es patente la norma del antiguo Egipto en la figura de la izquierda, mientras que el arte ibérico influye en el modelado de las cabezas, algunas de las cuales fueron violentadas en el otoño, tras el contacto de Picasso con las esculturas africanas. Matisse, Derain y Vlaminck ya se habían interesado por ellas, y parece que fue Matisse quien indicó a Picasso que podían encontrarse en una tienda de la calle Rennes. El gran valor del arte africano era que integraba figura y espacio en un mismo término. El espacio no es ya un contenedor estático de figuras, sino que puede ser sujeto de deformaciones, exactamente igual que ellas; o sea, se convierte en forma dinámica. La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo, como la mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional. En efecto, desde el Neoclasicismo los artistas estaban revisando el concepto de espacio pictórico renacentista, creado a base de un espectador fijo que tiene ante sí un cubo de espacio, en el que las figuras se disponen empequeñecidas según se alejan del primer plano. Los neoclásicos dispusieron las figuras a manera de friso en relieve; después los realistas, impresionistas y postimpresionistas habían ido controlando la profundidad por diversos medios, acercándose a la realidad bidimensional del cuadro;Gauguin, Cézanne y los fauves lo comprendieron plenamente. Pero no obstante, la deformación de la figura y el espacio en estos pintores había sido mínima. Picasso descubrirá que la figura puede cortarse en planos, descomponerse, analizarse y que por eso la pintura no deja de ser un cuadro. Cuando mostró Las señoritas a sus amigos quedaron extrañados, con excepción del marchante Daniel Henri Kahnweiler. Permaneció arrinconado en el Bateau-Lavoir hasta que en 1920, sin haberlo visto siquiera, lo compró el coleccionista Jacques Doucet. En 1925 fue publicado por los surrealistas y en 1937 se expuso por vez primera. Parece que el título original fue El burdel filosófico, puesto por Apollinaire y Salmon; luego fue Salmon quien lo llamó al parecer Carrer d'Avinyó, una calle de Barcelona, por donde había vivido Picasso, en la que había prostíbulos. Se hacían bromas con el cuadro acerca de que la abuela de Max Jacob era de Avíñón y de que Fernanda Olivier, la amante de Picasso, y Marie Laurencin, la de Apollinaire, estaban allí representadas.ARTEHISTORIA
Interpretación heideggeriana de Retrato de Pablo Picasso de Gertrude Stein por varias cuentas, Gertrude Stein posó para Pablo Picasso más de 90 veces durante el invierno de 1905-6. Cada sesión no era del todo correcto, con muchos intentos fallidos y frustraciones. En última instancia Picasso la despidió, diciendo que "yo no te puedo ver por más tiempo cuando miro", entonces crea un nuevo retrato de su casi un año después sin volver a verla. Se consideraba como una máscara-como rostro curioso, no es realmente una representación exacta de Stein en el momento. Cuando otros comentaron que Gertrude Stein no se parecía a su retrato, Picasso declaró: "Ella lo hará." Con el tiempo la creencia de Picasso en los "poderes premonitorios" de sus retratos se afirmó como Stein llegó a parecerse en gran manera su retrato, declarando en 1938: "Yo era y sigo siendo satisfecho con mi retrato, para mí, soy yo, y es la única reproducción de mí que siempre es yo, por mí "(Rodenbeck).Retrato de Gertrude Stein de Picasso es una inquietante y trabajo pensativo, imbuido de un gran sentido del misterio y la meditación. La mirada de Stein es echado a un lado, con las manos en una posición gestual, inclinándose hacia delante con la barbilla inclinada y los labios entreabiertos. Es como si ella está a punto de hablar y por el lenguaje corporal de su retrato, prevemos una escena posterior, donde se articula lo que ella ha estado pensando, elaborando con sus manos. La esencia del carácter de Stein se encarna en esta postura y el gesto, la verdad de su ser en esta representación física. Sin saber nada de Stein, uno a la vez comprender que esta mujer es un pensador de considerar cuidadosamente sus puntos y que esta caracterización intelectual es de fundamental importancia para su modo de ser. Picasso ha logrado los efectos de revelación en relación con este retrato al revelar la verdad de Stein a través de Martin Heidegger principio 's de la verdad como aletheia, es decir, unhiddenness o la experiencia de algo oculto presentarlas ante la revelación. Al no permitir que los pensamientos y las palabras de Stein a ser oído y la captura de ella en un momento congelado de la pintura, Picasso permite una comprensión profunda de todo lo que ella tiene que decir. Al ocultar la experiencia de estar en su presencia, y conociéndola como intelectual, revela la misma verdad y la naturaleza de la compostura y la existencia. Si este fuera el retrato de un monumento congelada de Stein en un momento de gloria, un homenaje a su prístina físico o una representación fotográfica y perfecto, entonces nunca podría ver la verdadera precisión de su ser y devenir. Stein es un ser que pregunta, que viaja y evoluciona, que se refiere a su vida con la inquisición y la curiosidad. La suerte de llegar a ser como su retrato no es del todo sorprendente, ya que Picasso comprendió la eventual progresión de su vida y las formas en que podría aparecer en su rostro. Él entendió su mundo y su forma de amoldar su forma material. El carácter de la pintura en la obra de Picasso es rica y compleja, los colores profundos y sombríos. La pincelada es detallada sin llegar a ser demasiado consciente de sí mismo, y el sentido de la luz que sale de la piel luminosa y aireada bufanda explica y complementa la oscuridad necesaria. Heidegger describía las características de los materiales de este trabajo como sus aspectos terrenales, los que "se levantan de cierre automático," pero a través de las dimensiones mundanas, encarnar la próxima espontánea de lo que es esencialmente auto-recluirse. Es a través de y en contra de la pintura, los colores y los elementos de la línea, la forma y la figura, las cuales se accede a un mundo de Stein, que es el contexto de significado en que entendemos este arreglo de la pintura a ser de ella.Heidegger explica que el mundo debe descansar sobre y consisten en la tierra, que absorben y ocultar su significado si no fuera por la tendencia mundana a la claridad y la revelación. Siempre vinculado en tensión, la representación mundana de la frente de Stein desafía sus dimensiones terrenales, así como la rica calidad terrenal de la pintura en el fondo intenta ocultar su significado y sin embargo ofrece ricos pistas texturales al carácter de la obra. Sería parecer a primera vista fácil de ver este retrato como un simple trabajo de la tierra, un retrato anónimo de una mujer con fuertes elementos de características de claroscuro y de la pintura. Sin embargo, es en este-off cerrando muy de sentido que no ganamos el sentido más completo del mundo somos testigos y las formas en que este montón de pintura ha capturado e iluminadas algo del carácter de su tema.Heidegger describe el arte como la pasando de verdad en la lucha entre la tierra y el mundo. La verdad de Gertrude Stein en este retrato surge de las facetas de la obra de Picasso en la tierra. Las sugerencias de su representación física sacarla como mujer en un entorno terrenal realista. Su figura y el lenguaje de sus expresiones faciales y la postura, así como las claves tonales de la luminosidad de su piel a la luz y su ropa revelan que ella sea una mujer de la iluminación reflexiva, que es ella misma implicada en el proceso de revelar la verdad como que brilla y la experiencia de la dualidad en la naturaleza. Sus manos sugieren ambos planos en un gesto vagamente perpendicular, el derecho apuntando hacia abajo y la izquierda apuntando hacia los lados a través de su cuerpo. El tirón de la cara y parte superior del cuerpo como una fuerza de la intelectualidad y las obras de pensamiento embriagadores contra la horizontalidad de su postura de estar y la mano que tanto sus motivos en ese plano y sugiere levantar de ella. Parece como si la luz en realidad proviene de la cara o de alguna parte por encima del plano de la imagen, ya que no proyecta sombras para anclarla en el fondo, de manera que hay una tensión entre la planitud de la tela y la plenitud y la iluminación de su forma . Heidegger hace hincapié en que la creatividad en el gran artista es un impulso por el cual el genio permite un trabajo para convertirse en lo que es. Este retrato es extraordinario en este sentido en el que Picasso reunió a un sentido de Stein durante más de 90 sesiones, pero no podía obligar a su temperamento de ella y no podía limitar su ser en los caminos que sus ojos estaban viendo. Se alejó de la experiencia cuando ya no podía ver Stein para ella y regresó cuando fue capaz de crear simplemente la cara y el cuerpo como eran y como llegaron a ser. Él comprendió intuitivamente que no era simplemente una tarea de capturar su ser físico exacto, pero un logro de un mayor nivel de retratos en la captura de su esencia como ser. Esta pintura está desprovisto de sentimientos de Picasso, psique, o situación histórica. No es característico de su estilo y puede no ser reconocida inmediatamente como un Picasso por un espectador ocasional. El trabajo no es una declaración de la casa de Picasso en el arte o la sociedad en obras posteriores como el Guernica o estudios en el cubismo se convirtió, sino más bien un intento de simplemente dejar que emerja la verdad de Gertrude Stein. No es un retrato halagador excepcionalmente, que no revela la intensa gratitud y reconocimiento Picasso tenía para su comisión y la forma en que Leo y el dinero de Gertrude Stein le permitió viajar por toda Europa y descubrir todo un mundo de arte fuera de su propio. No intenta embellecer o exagerar Stein como una mujer, sino que permite que la belleza natural de su rostro y el ser reflexivo resplandecerán como algo que no necesita la mano pesada, se muestran hermosos. Es a través de la confianza y seguridad que Picasso ha dejado el retrato de pie en la verdad que se convierte en un hermoso y profundamente inquietante trabajo y una realización profunda de la verdad y de ser. No es sólo a través de las revelaciones aletheic entre la tierra y el mundo, que este trabajo tiene éxito. Heidegger enfatizó la importancia igual del creador y conservador, afirmando que en una obra verdaderamente exitoso, el creador se aniquila a sí mismo en el proceso y deja la tarea de encontrar el sentido de la experiencia para el conservador. Picasso ha creado un retrato que puede sostenerse por sí mismo como una representación exacta y honesta de Gertrude Stein, tanto física como metafísicamente como ella "se convirtió en" lo que había en la pintura. Si bien al principio la gente no estaba de acuerdo de que Stein fue capturado en esta obra, Stein misma reconoce su verdad y le permitió venir a la existencia. Su papel como preservador, así como aquellos que siguieron su habilidad para leer en la pintura y lo ven como un acontecer de la verdad, han permitido que este trabajo se abra y revele sus sutilezas y éxitos premonitorios misteriosas. Por su parte, Stein también se hizo más como el aspecto que Picasso retrató, de manera que el trabajo ha permitido el preservador, como el creador, que se originan como ella es a través del trabajo. filosofía de Heidegger es una manera muy eficaz de ver este trabajo. Si fuera considerado en términos del cuerpo de la carrera de Picasso, que no quiso revelar mucho a todos. En comparación con muchas de las obras más profundamente personales y estilísticos de Picasso, este retrato en un primer momento parece estéril y forzados, uno hace simplemente porque su patrón lo exigía. Cuando se revela en términos de aletheia, sin embargo, vemos una nueva dimensión al papel de Picasso como pintor. La sutileza y la revelación de gran alcance en este trabajo muestran Picasso para ver mucho más allá de la carrera de su pincel, expresando sus premoniciones y verdadera comprensión de Gertrude Stein como mujer y como ser humano. El enfolding, ocultando el carácter de la pintura con sus marrones y negros profundos y sutiles pinceladas apartó y envolver Stein en un entorno terrenal misteriosa y rica que luego se abrió y se ilumina en el carácter mundano intensa de su gesto y expresión, así como el contexto en que fue creado y conocido. esta pintura método de análisis de Heidegger revela las formas sutiles y poderosas en el que esta obra nos afecta, explica su significado y la forma en que un retrato que no no totalmente parecer alguien podría encarnar tan completamente su ser. Es a través de la comprensión de este trabajo en términos fo la lucha entre la tierra y el mundo que tenemos acceso a la verdadera habilidad y el talento de Picasso en el éxito de esta pieza, ya través de verlo completamente aniquilado en su creación, así como la importancia de la respuesta de Stein, entendemos los papeles de creador y conservador en el surgimiento dinámico de la verdad. ¿Qué se oculta tanto por el trabajo y por la investigación de Heidegger, es Picasso. No entendemos las condiciones en que esta pintura llegó a ser, como él ha cubierto su historia en una superficie acabada. Es difícil de entender sus sentimientos hacia Stein - mientras que él definitivamente la entendía, es difícil de entender el conocimiento como una respuesta general positiva o negativa a ese entendimiento. No podemos encontrar a su intención con este trabajo, ni necesariamente saber cómo se espera que sea recibido, ni podemos interpretar su personaje a través de su creador. Heidegger podría argumentar que esto es lo ideal como debe ser, que la obra destaca por su cuenta y que Picasso tuvo tanto éxito en su retrato que no necesitamos a conocerlo en absoluto. Sin embargo, sin conocer a Picasso, no podemos saber si este retrato es realmente cierto. Es muy posible que Picasso ha dejado emerger a ser algo que es totalmente falsa y engañosa. El papel de Stein como preservador también puede ocultar la verdad real de la obra, que pudo haber estado dispuesto a creer declaración falsa de Picasso sobre ella y entrar en la historia como una descripción exacta. Heidegger entiende el lenguaje a través de sus logos de raíz, que se deriva de hablar que a su vez deriva de reunir tal que decirlo es reunir significado.Heidegger no da cuenta de la reunión de falso sentido y el hablar de mentiras, como Picasso en realidad puede estar haciendo. Picasso ha reunido el sentido del mundo de Stein, pero es que en toda la verdad? No hay espacio en esta investigación para comprender que, ni poner en duda los sentimientos de las personas involucradas en el retrato en sus roles potencialmente corruptos como el asunto, el creador, preservador y.proceso del pensamiento de Heidegger en general es un vehículo interpretativo bastante eficaz. A pesar de su casi exclusiva la comprensión o la belleza como la verdad revelada y la negligencia de las potencialidades de la falsedad, lo hace traer los muchos sucesos sutiles y complejos en la obra de Picasso, así como muchas obras de la poesía y el lenguaje. Somos conscientes de lo que está sucediendo en el lenguaje de luces y sombras en la pintura a través de la ocultación / dicotomía reveladora y accedemos a las razones por las que esta pintura es exitoso como un retrato a través del reconocimiento de la tierra / lucha mundial y el concepto de verdad como aletheia. Mientras que la pintura es llamativo y atractivo por sus características visuales y presencia sombría, proceso de análisis de Heidegger revela en una complejidad más completa y la riqueza que de otro modo podría ser fácil pasar por alto, pero que, de hecho, mantiene las mismas claves para desentrañar su sentido y significado más profundo . Este método de investigación no sería suficiente para muchas otras obras de arte, como la poesía confesional autoconsciente que depende de nuestra familiaridad con el autor y su vida.Heidegger podría despedir a este tipo de trabajo como "arte malo" y, sin embargo, no existe mérito distinto e impacto preservado a las obras que desafían la estética de Heidegger del arte y la cultura. Su filosofía se basa en la presencia definida de la verdad en la realidad, tal como se revela en este caso a través de desocultar. Pero lo que si no existe una verdad absoluta? Las obras de arte siguen afectando a los espectadores, se mueven y agitan las almas del hombre ya sea que revelan una gran verdad o no. ¿Cómo podemos dar cuenta de nuestras respuestas metafísicas y profundos emocionales a la música, fotografías, drwaings, o una escena en una obra de teatro, si no hay una verdad profunda profunda siendo revelado? La subjetividad de nuestros mundos que lo hace que cada observador o "experimentador" del arte tendrán una respuesta única y entendimiento en base a su sentimiento, la historia y la psicología. Es arte, entonces, revelando verdades universales, o simplemente tocar las creencias subjetivas que erróneamente presentado como verdad porque han sido aparentemente reveló como tal? Heidegger podría afirmar que una obra de arte que evoca verdades "incorrectos", las respuestas erróneas, reacciones confusas y similares, es defectuoso de su falta de claridad en la revelación de la verdad.La calidad multifacética y versátil de trabajo podría, sin embargo, se convierten en una virtud más que un defecto, como más ancho o más atractivo personal, mientras que menos a tierra en la verdad absoluta, puede hacer un trabajo mucho más eficaz e inmediata, fomentando a nivel de alma personal respuestas en lugar de una manera "correcta" de experimentar la verdad. Un análisis menos insistente que no se basa en el acontecer de la verdad como algo que puede ser percibido como bien hecho o no tiene éxito puede permitir mayores niveles de experiencia y comprensión del arte, al tiempo que revela mucho más profundas verdades en el proceso, que podría ser de otro modo oculta por un sistema aparentemente arbitraria del juicio fo lo que puede ser considerado verdadero. Para obras como el retrato que tratan de transmitir la verdad, vehículo de Heidegger de la interpretación es ideal. Podemos entender la verdad del sujeto y la verdad del retrato como aletheia a través de la lucha entre el terrenal y dimensiones mundanas y fomentar nuestra experiencia de la obra tal como la entendemos y articular nuestras reacciones preservando al relativo éxito de la obra en función de cómo así tenemos acceso a la verdad que revela. BIBLIOGRAFÍA CITADA Heidegger, Martin. Poesía, lenguaje, pensamiento. trans. Albert Hofstadter. HarperCollins Publishers, Inc.: New York, 1971 Levy, Lorraine. Picasso.trans. Barbara Beaumont. Henry Holt and Ebury Press: Italia, 1990. Rodenbeck, Judith. "Insistente presencia en Retrato de Gertrude Stein de Picasso" manuscrito ensayo, la Universidad de Columbia, reimpreso en línea por Robert Fisher, 1995. es defectuosa en su falta de claridad en la revelación de la verdad. La calidad multifacética y versátil de trabajo podría, sin embargo, se convierten en una virtud más que un defecto, como más ancho o más atractivo personal, mientras que menos a tierra en la verdad absoluta, puede hacer un trabajo mucho más eficaz e inmediata, fomentando a nivel de alma personal respuestas en lugar de una manera "correcta" de experimentar la verdad. Un análisis menos insistente que no se basa en el acontecer de la verdad como algo que puede ser percibido como bien hecho o no tiene éxito puede permitir mayores niveles de experiencia y comprensión del arte, al tiempo que revela mucho más profundas verdades en el proceso, que podría ser de otro modo oculta por un sistema aparentemente arbitraria del juicio fo lo que puede ser considerado verdadero. Para obras como el retrato que tratan de transmitir la verdad, vehículo de Heidegger de la interpretación es ideal.Podemos entender la verdad del sujeto y la verdad del retrato como aletheia a través de la lucha entre el terrenal y dimensiones mundanas y fomentar nuestra experiencia de la obra tal como la entendemos y articular nuestras reacciones preservando al relativo éxito de la obra en función de cómo así tenemos acceso a la verdad que revela."Insistente presencia en Retrato de Gertrude Stein de Picasso" manuscrito ensayo, la Universidad de Columbia, reimpreso en línea por Robert Fisher, 1995. es defectuosa en su falta de claridad en la revelación de la verdad. La calidad multifacética y versátil de trabajo podría, sin embargo, se convierten en una virtud más que un defecto, como más ancho o más atractivo personal, mientras que menos a tierra en la verdad absoluta, puede hacer un trabajo mucho más eficaz e inmediata, fomentando a nivel de alma personal respuestas en lugar de una manera "correcta" de experimentar la verdad.Un análisis menos insistente que no se basa en el acontecer de la verdad como algo que puede ser percibido como bien hecho o no tiene éxito puede permitir mayores niveles de experiencia y comprensión del arte, al tiempo que revela mucho más profundas verdades en el proceso, que podría ser de otro modo oculta por un sistema aparentemente arbitraria del juicio fo lo que puede ser considerado verdadero. Para obras como el retrato que tratan de transmitir la verdad, vehículo de Heidegger de la interpretación es ideal. Podemos entender la verdad del sujeto y la verdad del retrato como aletheia a través de la lucha entre el terrenal y dimensiones mundanas y fomentar nuestra experiencia de la obra tal como la entendemos y articular nuestras reacciones preservando al relativo éxito de la obra en función de cómo así tenemos acceso a la verdad que revela.
